ESPACIO MAHOU

QUEEN ANDREA // URVANITY MAHOU TALKS  //  URVANITY MAHOU WALLS // SAFARIS URBANOS

Espacio Mahou

Desde el comienzo de Urvanity en 2017, Mahou ha formado parte de nuestro proyecto y vuelve a hacerlo en esta cuarta edición. Desde hace cuatro años trabajamos juntos para desarrollar activaciones culturales y artísticas: desde nuestro programa de Talks a los Safaris Urbanos por la capital. Todo un ejemplo de nuestro propósito de reconectar a las personas con el arte y su entorno que volverá a repetirse en esta edición. En el corazón de nuestro feria, en el COAM de la calle Hortaleza, Queen Andrea será la encargada de transformar por completo el espacio Espacio Mahou dedicado a los Talks. La mítica graffitera del Nueva York de los 90, una de las artistas femeninas más reconocidas del panorama, vendrá hasta Madrid para darle un giro a todo color al espacio. Pero este año vamos un paso más allá y sacamos nuestra colaboración a las calles, de donde venimos Mahou y nosotros, para llevar a cabo el proyecto de intervenciones murales con artistas venidos de todas partes del mundo para embellecer el centro de Madrid y acercar el arte a todos los madrileños y los que nos visitan.

¡Saborea el mejor arte gracias a Mahou y Urvanity!

Intervención del espacio Mahou a cargo de

QUEEN ANDREA

Presentado por McCaig-Welles Gallery

Andrea von Bujdoss es una artista, muralista y diseñadora gráfica nacida y criada en Nueva York. A lo largo de su carrera ha estado inspirada por el paisaje urbano de su ciudad y su estilo ha estado marcado por un fuerte uso del color y arriesgados diseños y tipografías. Formó parte de la generación de los grafiteros de los 90 en NY y compartió escuela con alguno de los más prolíficos artistas old school permitiéndole desarrollar un estilo propio. Su versatilidad sumada a su pasión por el lenguaje visual y la tipografía le ha permitido trabajar con numerosas marcas y su trabajo ha influenciado directamente el mundo del graffiti y la cultura urbana. Queen Andrea lleva 20 años perfeccionando su técnica y es una de las artistas femeninas más notables a nivel internacional.

UN MOVIMIENTO FRACTAL

Urvanity Mahou Talks

Vuelven los Urvanity Mahou Talks con la vocación de generar discusión entorno al Nuevo Arte Contemporáneo y el espacio público. A día de hoy, el arte urbano se encuentra en una fase de innegable madurez, un movimiento cada vez más extenso en el tiempo, más relevante en la audiencia, más prolífico en la técnica y sobretodo más ramificado y complejo. La capacidad evolutiva de los distintos movimientos, los viejos y los nuevos, se manifiesta de forma fractal e imparable. La inevitable irrupción de la revolución digital, así como el enorme peso que está adquiriendo el storytelling y la documentación audiovisual en los proyectos (que además lo sitúan en un contexto de feroz crisis climática), hacen que cada vez sea más difícil mantener una mirada meramente unidireccional y ciertamente limitada.

DEL VIERNES 28 AL DOMINGO 1 DE MARZO

COAM. Calle de Hortaleza, 63

17:00h-18:00h – LOS NUEVOS RETOS DEL SECTOR // Mesa redonda // Xavier Ballaz (BMurals), Ignacio Reig (La Furiosa Gallery) & Manuela Medina (La Causa Galería) // Galeristas

La galería del siglo XXI plantea nuevos retos y tiene nuevos objetivos. Quiere dar visibilidad a nuevos lenguajes, empoderar nuevos discursos y legitimar la labor artística por encima de todo para fomentar e impulsar estas nuevas propuestas dentro del mercado artístico. Estos tres jóvenes galeristas independientes nos darán a conocer de primera mano sus experiencias, sus objetivos y su forma de plantear los proyectos.

18:00h-19:00h – SIN RIESGO NO HAY ARTE // Mesa redonda // Abel Iglesias, Ana Barriga y GVIIIE // Artistas

Dicen que el arte para ser considerado como tal debe emocionar, otros dicen que debe perturbar y luego están los que sencillamente aplauden la eterna búsqueda de la belleza. Pero más allá de su capacidad emotiva, perturbadora o complaciente hay un aspecto del que se habla poco, su capacidad expeditiva. Ser expeditivo y jugársela, a veces literalmente, es un rasgo cada vez más importante para adquirir relevancia, notoriedad y atención. En este encuentro entre artistas lanzaremos preguntas al aire con el objeto de descubrir qué hay detrás de la obra de los que constantemente desafían sus miedos.

19:00h-20:00h – DUALISMO CLIMÁTICO // Tête a Tête // Sixe Paredes & Grip Face // Artistas

En un mundo actual en el que las contradicciones de la vida moderna chocan con la sociedad del bienestar, el arte, una vez más, se conforma como herramienta de denuncia y abandera, junto a otras manifestaciones, un movimiento de conciencia colectiva que hace ruido frente a la problemática del cambio climático. Los artistas plantean soluciones de arte sostenible frente a los océanos plastificados, la contaminación del aire o las toneladas de residuos. Un diálogo entre dos artistas que aportan su granito de arena a la lucha.

COAM. Calle de Hortaleza, 63

EL ARTE DE DOCUMENTAR LA CALLE //

La documentación visual y el registro audiovisual es un arte que ha caminado de la mano del arte urbano desde sus inicios y ha evolucionado notablemente hasta nuestros días. La importancia del trabajo de fotógrafos, filmmakers y documentalistas es clave para este movimiento artístico que siempre se encuentra en constante tránsito, su esencia reside en lo efímero. El ejercicio de registrarlo lo dota de otra vida que se extiende y viraliza en las redes y las publicaciones. En esta jornada queremos escuchar las historias que se esconden tras las cámaras que los capturan, queremos entender las miradas que ilustran aquello que ocurrió, pues sin ell@s ya no quedaría ningún rastro.

12:00h-13:00h – IMPACTOS VISUALES PRO NARRATIVAS SOCIALES // Vídeo – ponencia // Jorge Rodríguez Gerada // Artista

El promedio de consumo de los usuarios de dispositivos móviles es de 7 videos por hora. El artista urbano contemporáneo tiene a su disposición una multitud de géneros y tratamientos audiovisuales con los que abordar su obra en función del objetivo, algunos lo tratan como una obra artística en sí misma, otros documentan estas piezas como ejercicio video-artístico, otros documentan el proceso  y otros buscan aumentar el impacto de sus obras.

J.R.Gerada es uno de los artistas urbanos más narrativos y humanistas que existen en todo el globo, su incesante exploración lo ha llevado a dominar el componente audiovisual para poder dotar de contexto a sus obras: más allá de una impactante imagen siempre se esconde una gran historia.

13:00h-14:00h – AEROSOL FLASH FORWARD  // Presentación y proyección del documental Aerosol // Miguel Ángel Rolland // Documentalista

Probablemente en el 2004 ya existían los influencers, los selfies y los ‘esprais’, sólo que entonces no los llamábamos así. A estos últimos se les llamaba aerosoles, ahora también, pero mucho menos. En esta sesión haremos un viaje en el tiempo para observar la enorme evolución de este movimiento, no sólo en el terreno del arte urbano, de su léxica y estética, sino también de su documentación audiovisual. Dieciséis años después del estreno del que se considera el primer gran documental de arte urbano de España hablamos con su creador. Él ya no es el mismo, ni tampoco lo son sus principales protagonistas…

16:00h-17:00h – WALLS & WORDS // Mesa redonda // Mateo Macia (Global Street Art), Angie Kordic (Widewalls), Victor Celaya (All City Canvas) & Edith Vaisberg (Adhesivo Magazine) // Media Partners

Al margen de artistas, documentalistas y filmmakers existen grandes motores de creación de contenidos relacionados con la escena, equipos formados por profesionales de la comunicación y la cultura que trabajan a diario para dar voz a todo aquello relevante que está ocurriendo. Los medios especializados son una pieza clave para expandir el trabajo de todos los autores y agentes implicados en este gigantesco universo de creación urbana y contemporánea.

17:00h-18:00h – MOMENTUM// Proyección Zane Meyer // CINEMATÓGRAFO & FUNDADOR DE CHOP ‘EM DOWN FILMS

‘Momentum’ resume grandes aspiraciones de marcas, instituciones, políticos y artistas de todas las disciplinas y es un término cada vez más utilizado en el siglo XXI. Alcanzar el ‘Momentum’ significa alcanzar la atención pública, la atención mediática, lo que Warhol denominó ‘Los 15 minutos de fama’. ¿Cómo conseguir tu gran ‘Momentum’ en el sector del arte urbano? Chop ‘Em Down Films sabe muy bien dónde poner el foco para abordar esta cuestión.

18:00h-19:00h – EL OTRO ARTE TRAS LA ESCENA powered by Montana Colors // Mesa redonda // Martha Cooper (fotógrafa y antropóloga), Enrique Escandell (fotógrafo y documentalista)

Sería mucho más difícil comprender el origen y evolución del graffiti y del arte urbano sin haber accedido al apasionante archivo de tantos fotógrafos, videógrafos y documentalistas que han dedicado gran parte de su vida a registrar infinitas experiencias de las que probablemente ya no quedaría ningún rastro. En esta sesión podremos conocer de primera mano las historias y anécdotas que se esconden tras las cámaras de estos “otros artistas”.

19:00h-20:40h – THE MAN WHO STOLE BANKSY // presentación &  proyección documental // Christian Omodeo, comisario y guionista de ‘TMWSB’

Artistas urbanos que colonizan y se apropian de espacios para denunciar conflictos sociales, taxistas que se apropian de ello, instituciones públicas que desean apropiarse de unas obras mientras sancionan a otros y en medio, un público desorientado por las constantes contradicciones que dispone el arte urbano. Esta película documental trata sobre el interesante viaje a un contexto muy desconocido por occidente a partir de la visita que hizo el universalmente reconocido Banksy a Palestina. La controversia está servida.

COAM. Calle de Hortaleza, 63

THE ART-TECH REVOLUTION //

De la invención de la cuchara a la composición y creación digital. La evolución tecnológica del ser humano vive su momento más efervescente con el nacimiento de una generación 2.0 que cada vez adquiere más protagonismo en la diáspora urbana.

12:30h-14:00h ESPACIO PÚBLICO, ESPACIO DIGITAL // Diego Iglesias, fundador de FART (Finding Art Madrid) + Daniel Canogar, Solimán López, Marian Garrido, Lola Zoido y Andrea Muniaín, artistas.

A partir del proyecto de arte digital con FART y su colaboración con Urvanity, cinco artistas digitales con gran proyección e inclinación hacia los espacios urbanos expondrán sus distintas miradas, experiencias y proyectos para acercarnos un poco más a la abstracta concepción de las artes digitales en el espacio público.

17:00h-18:00h ARTE & FUTURO // Ponencia // Montxo Algora, Director ArtFutura

ArtFutura es un proyecto visionario y pionero con una trayectoria que ha sabido consolidarse como uno de los grandes eventos de arte digital del mundo. Su admirable vocación representa la voluntad de mirar siempre hacia adelante. Montxo Algora, tras 30 años al frente del proyecto, compartirá sus experiencias y su visión sobre la evolución de este apasionante fenómeno artístico. Lo mejor de la creación digital de la mano de uno de sus principales impulsores.

Programa patrocinado por Mahou

Nota: El programa podría estar sujeto a cambios.

Speakers bios

ABEL IGLESIAS

ABEL IGLESIAS

Artista multidisciplinar basado en Valencia. Ha estado desde sus inicios vinculado al mundo del graffiti y ha configurado un lenguaje que celebra la importancia del color a base de explotar su lado más vivo. Sus composiciones trabajan lo abstracto jugando con combinaciones caprichosas que le aportan dinamicidad a los espacios que interviene y transmiten su divertida personalidad al observador. Ha tocado diferentes campos y exhibe una enorme versatilidad en murales, instalaciones artísticas, esculturas, piezas de mobiliario, cerámicas, diseño de interiores y trabajos en el paisaje urbano. Todo conectado a su interés en la espacialidad reinterpreta con una visión futurística de lo establecido.

GVIIIE

Durante años dibujo en todo lo que pillo. Hojas, paredes, mesas. Ante la insistencia de una amiga, mi madre me apunta a pintura, duro dos días. En el zenit de mi fracaso escolar una compañero de clase me anima a probar con el graffiti. No se me da mal, pero duro dos días. Me rechazan en BBAA y acabo en un ciclo superior de imagen ( un perfil más técnico). Me pierdo en la noche durante unos años. También desarrollo mi carrera profesional paralela a la imagen en el audiovisual, ya como machaca de plató como de editor de vídeo, y acabo reconciliándome con el dibujo a través de viñetas que acabo publicando en la Revista Mongolia. En 2017 llevo a unos amigos extranjeros a pintar, me animo y me pinto algo. Ahí vuelve la enfermedad de los muros. Desde entonces hasta 2019 desarrollo toda mi obra exclusivamente en muros de manera ilegal, llegando a pintarme dos y tres muros de gran formato a la semana. Este último año soy invitado a participar en algunos festivales, elaboro mi primera expo individual en formato cuadro, realizo mi primera medianera, etc.

SIXE PAREDES

Empezó en el mundo del graffiti a finales de los años 80 y tuvo su propio estudio en los años 90 trabajando con diversos formatos artísticos como pintura, escultura e instalación. Clave
en su obra han sido sus continuos viajes por el mundo y su interés por las culturas antiguas y el arte primitivo, con influencia de cosmovisiones ancestrales, en particular de la cultura andina prehispánica, dando lugar al uso de técnicas milenarias como cerámica o telares, ampliando así su lenguaje artístico. Otra gran influencia es la Naturaleza, presente prácticamente en toda su obra. Su trabajo puede describirse como un universo abstracto de intenso color, con un complejo simbolismo y un minucioso dominio de las formas geométricas y en ocasiones criptografía numérica, creando una estética muy personal que lo hace rápidamente reconocible conformando su identidad y originalidad artística y conectando al espectador con otras realidades. Ha expuesto en espacios y galerías de todo el mundo, en el Museo Nacional de Arte Moderno de Londres (Tate Modern) pintó la fachada en el 2008 en la Exposición “Street Art”. Actualmente, continúa combinando intervenciones artísticas en la calle, en festivales y proyectos, con trabajo constante en su estudio.

GRIP FACE

“Instalado en la astucia de un pseudónimo que propicia así la discreción y libertad del anonimato, Grip Face (Palma de Mallorca) se forma desde muy temprana edad en las escuelas del dibujo y la pintura clásica. Artista multidisciplinar que fija generalmente sus coordenadas en el espacio público, descubre a los trece años las múltiples posibilidades que le ofrecen el graffiti y el lenguaje gráfico urbano, en cuya dimensión no tarda en sentirse cómodo para trasladar sus mecanismos a un terreno propio. En la intimidad de su laboratorio mental, Grip Face capta las imágenes latentes de su época y les da forma bajo la tutela de la educación estética que ha recibido; desde la ilustración hasta el diseño gráfico, pasando por la serigrafía, la instalación y la pintura, trabaja los lenguajes más gráficos hasta los más conceptuales y a su vez plantea desde hace años un puente entre el espacio público y el expositivo. Su primer libro ‘Black Faces’ es la materialización en papel de ese puente; en la publicación se recogen tanto intervenciones furtivas como las piezas destinadas a exponerse en la galería de Bilbao SC Gallery, todas ellas englobadas bajo un mismo proyecto. Los espacios que elige en la ciudad, ya sea en las despreciadas lindes de los suburbios o en las medianeras en el centro de las ciudades reproducen los remotos vínculos del ser humano con el Arte. El transeúnte se encuentra cara a cara con iconos que reclaman su atención y observación, conformando así un universo icónico personal que busca al ciudadano”.

JORGE RODRÍGUEZ GERADA

He was a founder of the New York City Culture Jamming movement and is an innovator in the international urban art scene. Since the late 90’s he has been replacing the faces of cultural icons chosen by advertisers with the faces of anonymous people to question the controls imposed on public space, the role models that are designated to represent us and the type of events that deserve more public discourse. Rodriguez-Gerada´s unique direction was first mentioned in Naomi Klein’s book No Logo and was a precursor of the use of anonymous portraits now common in street art. His spectacular interventions are created for the sake of bringing awareness to relevant social issues. His large scale time based land art works avoid negative impact on the environment, challenge the conformity in contemporary art and allow for a reflection that goes beyond the completion of the piece to focus on its concept, process, and the metaphor that comes forth because of the material chosen. He has created large scale murals and land art works  around the world in locations such as the United States, Morocco, Lebanon, The Netherlands, New Zealand, Argentina, France, The United Kingdom, Bahrain, Spain, etc. Among his other projects are the smaller-format pieces for gallery exhibitions such as the ‘Fragment Series’, ‘Urban Analogies Series,’ and the ‘Memorylythics series.’ Gerada has also collaborated in many cultural projects and exhibitions around the world.

MIGUEL ÁNGEL ROLLAND

Licenciado en Periodismo por la Universidad Complutense, y fue becado del Ministerio de Cultura para realizar estudios de cine en Nueva York (New York Film Academy) en el año 2001. Ha desempeñado diversas labores profesionales en la industria audiovisual como Director de Antena (Canal ON), guionista de documentales (NHK Japón), y realizador de publicidad. Fue fundador de la asociación profesional DOCUS MADRID. También ha sido director de contenidos y social media en agencias de comunicación y marketing digital, así como formador en estrategia de comunicación de impacto y crowdfunding. Junto a la agencia Las Espigadoras ha creado los encuentros DocImpacto. Ha sido Nominado a los Premios Goya al Mejor Cortometraje Documental por Aerosol (2004). En 2016 estrenó su largometraje documental Santa Fiesta, presente en los festivales de Documenta Madrid, Sitges, Cinespaña Toulousse, Cine Animal Colombia, Central DOC México y Ficmec. En Internet Movie Data Base (IMDB) tiene una valoración de 9 sobre 10 por los espectadores. En 2018 ha producido y dirigido el cortometraje documental Dueto Para Tres Voces, con el apoyo de la Consejería de Cultura de la Comunidad de Madrid.

MARTHA COOPER

Martha Cooper is a documentary photographer who has specialized in shooting graffiti, street art and architecture for over forty years. In the 1970s, Martha worked as a staff photographer at the New York Post. During that time she began to document graffiti and b-boying, subjects which led to her extensive coverage of early Hip Hop as it emerged from the Bronx. These photos, published worldwide, helped make Hip Hop the predominant international youth movement it is today. Martha’s first book Subway Art (with Henry Chalfant), has been in print since 1984 and is affectionately called the “bible” by graffiti artists. Her subsequent books include, R.I.P.: Memorial Wall Art, Hip Hop Files 1980- 1984, We B*Girlz, Street Play, New York State of Mind, Tag Town, Going Postal, Remembering 9/11 and Tokyo Tattoo 1970. She lives in Manhattan but can frequently be found at street art festivals worldwide. Martha’s work has been exhibited in museums and galleries worldwide and published in numerous magazines from National Geographic to Vibe. Recently Martha has been shooting an on-going personal project comparing neighbourhoods in Baltimore, U.S.A. and Soweto, South Africa. She is presently working on a book with 1UP, a notorious graffiti crew in Berlin.

ZANE MEYER

Cinematographer and Founder of Chop em Down Films. Zane grew up in Southern California  in the early 90’s. In his early years of filming he was documenting Skateboarding, Graffiti, Art, Tattoos, Low Riders/Car Culture and Music. Music was always a driver in his films and still is today. In 2010 Zane created Chop em Down Films and started expanding his vision by adding crew members to the Chop em Down Films team. Chop em Down Films is a Collective of cinematographers dedicated to highlighting culture, art, and exploring different environments around the world. Their goal is to act as a catalyst for global growth and to outgrow the cultural noise that holds back humanity’s new Zeitgeist.

MONTXO ALGORA

Montxo Algora es fundador de ArtFutura y ha dirigido sus treinta ediciones, presentando temas como la Realidad Virtual, Mente Global, El Futuro del Futuro, La Promesa Digital, Inteligencia Colectiva y La Segunda Piel. ArtFutura trata de anticipar el futuro del arte asociado a las nuevas tecnologías. Sus muestras anuales han contado con la participación de artistas y pensadores cruciales en la cultura digital: William Gibson, Theo Jansen, Toshio Iwai, Laurie Anderson, Hiroshi Ishii, Paul Friedlander, Moebius, David Byrne, Masaya Matsuura, Howard Rheingold, Timothy Leary, Tomato, Tetsuya Mizuguchi, Rebecca Allen, Ryota Kuwakubo, Orlan, Yoichiro Kawaguchi, Brian Eno, Marcel.lí Antúnez, Arthur Kroker, Xeni Jardin y muchos otros. Montxo Algora ha dirigido proyectos como “Memory Palace”, con texto original de William Gibson y música de Peter Gabriel y John Paul Jones. Y ha comisariado exposiciones como “Máquinas&Almas” (2008) en el Museo Reina Sofía de Madrid y “Creature Digitali” en Roma (2017).

MATEO MACIA

Mateo, nacido en Madrid en 1995, trabaja como jefe de comunicación para Global Street Art, una de las mayores organizaciones de graffiti y street art en Europa. Situada en Londres, tiene tres ramas principales: 1-Plataforma digital sobre la actualidad del arte urbano y archivo con más de 100.000 fotos de artistas de todo el mundo. 2-Organización y apoyo a la creacion de mas de 2000 murales legales en Londres desde 2012. 3-Agencia creativa que conecta marcas y artistas.

ANGIE KORDIC

Angie Kordic se graduó en fotografía en el Istituto Europeo di Design en Milan, Italia. Desde 2014 trabaja en la revista online Widewalls como creadora de contenidos y editora. Es la autora de una gran cantidad de entrevistas con artistas y artículos sobre graffiti y arte urbano.

VICTOR CELAYA

Victor Celaya ama el arte, la música, la política y el diseño, pero no es artista, ni músico, ni político; sin embargo, le gusta enfocar sus esfuerzos para trabajar en estas áreas y hacer que las cosas sucedan. Es uno de los fundadores de ARTO Group, una compañía de arte y diseño que trabaja con sus clientes para proporcionar estrategias y servicios de vanguardia.

EDITH VAISBERG

Edith Vaisberg nacida en Caracas, Venezuela, es una curadora independiente de arte basada en la Ciudad de Mexico. Después de graduarse en Pratt Institute, Nueva York, con un título en Diseño Industrial y especialización en Psicología, Edith fundó adhesivo magazine, una plataforma independiente para la documentación y difusión de proyectos inovadores en el ambito creativo. Hasta la fecha, adhesivo cuenta con tres números impresos, más de 100 artistas, diseñadores y creativos alrededor del mundo entrevistados, 16 colaboraciones de productos de edición limitada y más de 10 eventos, pop-ups y fiestas en ciudades como Bogotá, Miami, Nueva York, Mexico y Madrid. Con un enfoque en arte contemporáneo, influencias de la cultura pop y una gran visión por talentos jóvenes, Edith cree en la importancia de construír puentes para artistas, conectándolos con galerías, museos e instituciones culturales. Desde el 2017 se há desempeñado como consultora de arte especializada en promover y ubicar en colecciones importantes el trabajo de artistas jóvenes, principalmente hispanos, así como consultora de diseño y producto para marcas y galerias.

CHRISTIAN OMODEO

Christian Omodeo es el fundador de Le Grand Jeu, una agencia y librería  basada en París que se centra en la cultura urbana y el arte contemporáneo. Recientemente ha realizado el comisariado para la exposición ‘Fire on Fire. Art Music / Street Club Studio’ en Nancy (Francia) y ha abierto una segunda librería en Fluctruart, un nuevo centro de arte urbano flotante en el corazón de Paris, donde organiza firmas de libros, charlas y comidas semanales en torno a los libros. Ha sido guionista del documental ‘The Man Who Stole Banksy’.

DIEGO IGLEASIAS

Creador, gestor cultural, comunicador, profesor e investigador interdisciplinar que opera entre lo físico y lo digital. Co-fundador de HYPER STUDIO, estudio creativo centrado en el diseño de experiencias interactivas que relacionen lo físico y lo virtual, investigando la relación entre los individuos y sus entornos tecnológicos. Es co-fundador y director creativo de la plataforma Finding Art Madrid. Sus trabajos han sido expuestos en Madrid Design Festival 2020, Casa Banchel 2019, Galería Max Estrella 2019, Museu de Belles Arts de Castelló 2019, Swatch Creative Navies Festival 2018 y el Pabellón de España en la Bienal de Arquitectura de Venecia 2018, entre otros.

DANIEL CANOGAR

Hijo de padre español y madre estadounidense, su vida y carrera se ha dividido entre España y Estados Unidos. Comenzó formándose en el mundo de la fotografía cuando se especializó durante el master de la New York University y el International Center of Photography en 1990, pero pronto se interesó por las posibilidades de la imagen proyectada y la instalación artística. Ha creado numerosas piezas de arte público con pantallas escultóricas de LED flexibles y rígidas y obras públicas de carácter monumental.

SOLIMÁN LÓPEZ

Pertenece a esa generación de artistas bisagra entre dos tiempos. Entre el analógico y el digital. Su principal interés radica en la conexión entre la historia del arte, entendiendo el arte contemporáneo como una evolución del pensamiento, las problemáticas sociales y psicológicas derivadas de la revolución digital y la exploración del lenguaje tecnológico como vía de comunicación artística. Su trabajo ha sido mostrado en más de una quincena de países, destacando además su labor como investigador en torno a las materias descritas. Entre sus últimos proyectos se encuentran el proyecto GRID para la Nuit Blanche de Paris 2019, el proyecto High Meshes iniciado en el CCCC de Valencia, el proyecto LookAt para Barcú, Bogotá, Colombia o el Harddiskmuseum en el EP7 de Paris.

MARTA GARRIDO

Licenciada en Bellas Artes por la Complutense de Madrid y máster de Historia del Arte contemporáneo y cultura visual en el MNCA Reina Sofía. Su práctica artística aborda varios ejes que convergen: el capitalismo acelerado y su supervivencia a través de la adaptabilidad capaz de fagocitar o adaptar discursos o idearios y el sci-fi como escenario de contingencia especulativa. Ha dirigido e impartido varios seminarios y lectures en Extensión Universitaria Complutense, RAMPA, Medialab Prado, La Casa Encendida, MACBA, MNCA Reina Sofía o Ca2m. Ha expuesto entre otros en la Sala de Arte joven de la Comunidad de Madrid, Centro de Arte Conde Duque, LABoral Gijón, Matadero Madrid, Centro Centro Cibeles, Fabra i coats, Sant Andreu contemporani o La Casa Encendida. Ha sido ganadora entre otros del premio Generación 2017 de La Casa Encendida, Circuitos de Artes Plásticas 2017 y residencias anuales de creación Matadero 2019.

LOLA ZOIDO

Comenzó su carrera en Sevilla donde estudió Bellas Artes y actualmente reside en Madrid donde ha seguido formándose y desarrollando su trabajo. Su producción combina una mirada desde lo analítico y lo poético sobre las relaciones que surgen en la intersección de los planos digital y físico. Ha participado en exposiciones tanto a nivel internacional como nacional y ha obtenido diferentes becas y residencias.

ANDREA MUNIÁIN

Artista, licenciada en arquitectura en la ETSAM, afincada en Madrid. Su trabajo comenzó a partir de “Virtualidad Corpórea” (2018), una video-instalación que considera las posibilidades de auto-percepción que permite la representación del cuerpo digital. Desde entonces ha trabajado de la mano de Adina L. Velázquez, psicóloga, productora y DJ, creando un conjunto de trabajos basados en la fisicalidad de lo virtual y en la forma en que vemos nuestros cuerpos en el mundo posdigital. Mientras que la práctica de Adina se centra en la creación de paisajes sonoros, las obras de Andrea representan su expresión visual y material. En la actualidad, se centra en el desarrollo de lo que denomina”Prototipos”, “bodyscapes” donde se entrelazan la fisicalidad y la virtualidad.

ENRIQUE ESCANDELL

Empezó a escribir grafiti a los 11 años. Desde que era adolescente ha viajado por todo el mundo relacionándose con la comunidad internacional de escritores de graffiti en el metro que funciona como una suerte de sociedad secreta. Entre ellos se dan cobijo al mismo tiempo que juegan a competir unos con otros para ver, por ejemplo, quién consigue pintar mayor cantidad de líneas de metro o quién consigue realizar las acciones más escurridizas. Es entonces, haciendo fotos de sus piezas (prueba principal de haber superado la hazaña), cuando comenzó su pasión por la fotografía. Estudió Informática en la Universidad Politécnica de Valencia pero, a los pocos años como ingeniero de sistemas, optó por estudiar Fotografía Artística en la EASD. Recién terminados sus estudios, ganó la beca de la Escuela Lens para realizar un máster de Fotografía de Autor y se muda a Madrid. En la actualidad, trabaja como fotógrafo combinando encargos comerciales con el desarrollo de proyectos personales.

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Contacto

URVANITY ART

New Contemporary Art Fair, 25 – 28 Febrero 2021, COAM C/Hortaleza 63, Madrid (Spain)

Prensa y comunicación
pr@urvanity-art.com

Project Manager
Victoria Ríos // victoria@urvanity-art.com

Información general
info@urvanity-art.com

Relaciones con expositores
Elisa Montesinos // elisa@urvanity-art.com

Dirección
Sergio Sancho // sergio@urvanity-art.com

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Manifiesto

URVANITY ART

The new contemporary art fair

Es manifiesto que desde hace algunas décadas operan tanto nuevas prácticas como usos y códigos nuevos en el paisaje cultural de las ciudades, los cuales dibujan a su vez un lugar propio en la esfera del arte contemporáneo. La cuestión es cómo hilvanar todo ello. Y no proceder mediante una feria de arte urbano, sin embargo. Urvanity se concibe, así, como plataforma para un Nuevo Arte Contemporáneo.

Hablar de nuevo arte es impulsar un proyecto contemporáneo con una perspectiva histórica, porque resulta claro que «todo lo que no es tradición es plagio». En particular, Urvanity reivindica propuestas que, con fundamento en la expresión artística desarrollada en el contexto urbano a partir de los años 70, construyen hoy un diálogo con la modernidad y, por ello, ofrecen un escenario donde explicar el mundo. Puesto que no se trata sólo de atender el conjunto de elecciones formales que un artista asume sino de comprender el lugar público donde configura su trabajo y también de que este último comunique al menos una experiencia del orden de lo estético.

Con todo, Urvanity quiere explorar e imaginar asimismo posibles escenarios venideros para este Nuevo Arte Contemporáneo, gracias a la complicidad con otras iniciativas y con los distintos agentes culturales de la ciudad. En aras de apoyar una producción y la divulgación de ideas, así como de facilitar el acceso de una amplia audiencia a esas prácticas de creación contemporánea que esbozan un vasto paisaje cultural y urbano.

Urvanity Art,
Madrid

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